Title: Un buen anuncio explica una historia: el guionaje
Course: Mobilitzem la informàtica 4t ESO (en castellano) - Curs 2020/21 > Section: Tema 14. Vídeo: guionaje, creación y edición

Empezando la producción

El proceso de filmación requiere tiempo, y todas las fases de la producción son críticas para la creación de un producto con éxito. Es esencial que antes de grabar se defina claramente el propósito de la producción. Es muy importante:

·         Desarrollar una idea, mensaje o concepto

·         Investigar y analizar el público objetivo

Explorar qué género se adapta mejor a su concepto.

Desarrollar la idea

Para poder empezar a trabajar, hay que definir la idea que se quiere transmitir en la grabación. Una de las posibles formas para empezar a definirla es el Brainstorming (tormenta de ideas), que ya conocéis y habéis usado. En este caso podéis usar hojas de papel grandes y hacer un mapa mental de dos o tres posibles ideas conceptuales (cuantas más opciones, mejor)

·         Escribid palabras, frases, líneas o poemas para ayudar a despertar vuestra imaginación.

·         Elegid un objeto inusual o cotidiano para usarlo como dispositivo para conducir la narración de vuestra historia. Un juego de mesa, un aparato de cocina o incluso una herramienta de jardinería pueden inspirar ideas creativas, abstractas o curiosas.

·         Recortar artículos de diario y fotos de revistas, o usar antiguas fotografías puede ayudaros a escoger un posible mensaje o acontecimiento a explorar.

Pensad en vuestras propias experiencias. ¿Tenéis alguna historia que os apasionaría explicar?

El público objetivo

El siguiente paso en el proceso de preproducción es definir el público objetivo y considerar las posibilidades de producción que conectarán mejor con esta audiencia. Los miembros de la audiencia observan, escuchan y responden de distinta manera. Tened en cuenta que este público también es a quien va dirigida vuestra aplicación y que ya habéis definido en el mapa de escenarios.

Si la producción es el eje principal, su éxito depende de una profunda investigación y comprensión inicial del público objetivo.

Selección del género

Los vídeos, tanto los narrativos como los no narrativos, pueden clasificarse por su género, que está basado en códigos y convenciones compartidos o reconocibles como la estructura, el contenido, el patrón o el estilo.

Los géneros actuales han evolucionado como resultado de mezclar y adoptar convencionalismos de uno o más géneros populares.

Mirad distintos anuncios del mismo género e identificaréis los convencionalismos que comparten y el estilo que tienen en común, como por ejemplo:

·         La trama argumental

·         Los convencionalismos temáticos

·         La ubicación y el entorno

·         El tipo de personajes

·         Las imágenes visuales y los símbolos

Durante la planificación de la preproducción, hay que seleccionar el género que mejor soporte presta al mensaje que se quiere transmitir. Tenéis que considerar:

·         Los valores y la actitud de vuestro público objetivo

·         Cómo los valores y actitudes del público objetivo podrían determinar cómo se utilizan los convencionalismos en la producción a la hora de hacer el vídeo.

El impacto que los valores y las actitudes de la audiencia tienen en la selección de un género determinado para transmitir el mensaje.

Estructura de la narracción

A menudo, una producción atractiva se atribuye a una narrativa bien desarrollada y a la habilidad de usar con eficiencia y estilo las técnicas de producción. Antes de escribir un guion, es muy útil explorar las posibilidades narrativas de la forma que habéis elegido. También deberíais considerar dónde los elementos particulares de la producción pueden apoyar vuestras ideas sobre la narración, o proporcionaros oportunidades para experimentar y desarrollar un toque de estilo personal. Esto asegurará el enriquecimiento visual de vuestro resultado y transmitirá ideas complejas, con lo cual la respuesta que evocará en vuestro público objetivo será más profunda y significativa.

Un conocimiento básico de los principios de la narrativa ayuda a estructurar la narración de vuestra historia. Considerad la importancia de la narrativa en vuestro día a día y cómo distintas versiones de una misma historia que pueden cautivarnos dependen de convencionalismos similares a la hora de explicarla. Los siguientes elementos de una historia son comunes en todas las formas visuales de narrativa:

·         El argumento

·         Secuencias de apertura y cierre

·         Los personajes

·         El escenario

·         Conflictos o causa y efecto

·         El punto de vista

El argumento

Construir personajes bien desarrollados es fundamental para el proceso narrativo, pero el eje principal de la historia o argumento que conduce los acontecimientos en la pantalla es igual de importante. Tradicionalmente, las narraciones convencionales están basadas en una aproximación lineal en tres actos a la historia

Usando tarjetas o post-its, escribid todos los acontecimientos de la narración en tarjetas separadas y ordenadlas una al lado de la otra en una progresión lineal, de principio a final. Una vez hecho esto, dividid los acontecimientos en tres partes diferentes: orientación, complicación y resolución. Considerad lo siguiente:

Acto 1- Orientación: ¿Cómo se presenta a la audiencia los personajes y su situación? ¿Qué acontecimientos provocarán una alteración y atraerán a la audiencia al mundo de la narración?

Acto 2- Complicación: ¿Qué complicaciones tendrán que afrontar los personajes? ¿Qué pasos darán para conseguir sus objetivos y resolver sus problemas?

Acto 3- Resolución: ¿Cómo se ligarán todos los cabos de la historia? ¿Cuál será el resultado de cada conflicto?

Aunque la aproximación en tres actos se usa a menudo, considerad cómo las expectativas de la audiencia y nuestra propia experiencia natural influencian el modo en que las historias se estructuran en la pantalla. Se pueden cambiar las expectativas de audiencia sobre la narración alterándola de una forma no lineal. El uso de «flashbacks», progresiones circulares o incluso narraciones múltiples en la misma historia pueden sacudir las expectativas de la audiencia.

Secuencias de apertura y cierre

La secuencia de apertura introduce a la audiencia a un mundo en el que la normalidad en la pantalla se ve interrumpida por un hecho brusco o inesperado. Se establecen personajes y se sugieren las posibilidades narrativas mientras el ciclo causa-efecto atrae a la audiencia dentro del viaje narrativo que se les acerca. La secuencia de apertura también establece los temas subyacentes que se explorarán en la producción.

Tendréis que aseguraros de que vuestra secuencia de apertura efectivamente captura la atención de la audiencia, y que la atención se mantiene hasta el final. Aseguraos de poder contestar las siguientes preguntas:

·         ¿Cómo se establecerán los personajes principales y la localización de vuestra historia?

·         ¿Qué será lo que activará el ciclo causa-efecto de vuestra historia?

·         ¿Qué posibilidades narrativas se sugerirán a la audiencia?

·         ¿Cuál es la respuesta prevista de la audiencia? ¿Qué verán, escucharán y oirán?

Igualmente importante para la construcción de cualquier narrativa visual es la secuencia de cierre. Su intención principal es resolver todos los problemas centrales y las preguntas, indicando la conclusión del viaje emocional tanto de los personajes como de la audiencia. Es importante construir una secuencia final que, efectivamente, conduzca a la conclusión de la historia. Cuando estructuréis la secuencia de cierre, considerad:

·         ¿Cómo se resolverán todos los conflictos principales?

·         ¿Cómo se desarrollarán los personajes centrales? ¿Cambiarán? Y si es así, ¿cómo?

Tened siempre presentes las expectativas de vuestra audiencia prevista, y recordad que las preguntas sin respuesta o un agujero en el cierre de la historia podrían dar lugar a la insatisfacción de algunos miembros de la audiencia.

Los personajes

En este punto de la planificación tendríais que empezar a delinear y refinar los personajes que conducirán vuestra historia. Es importante tener en cuenta la respuesta de la audiencia cuando se construyen los personajes que aparecerán en pantalla.

Identificad de más a menos importantes los personajes que conducirán vuestra narración, y construid una serie de perfiles que describan:

·         La edad y el aspecto (incluidas características físicas, preferencias en el vestir, tono de piel, tipo de cuerpo y talla)

·         Expresiones, diálogo y tono de voz

·         Lenguaje corporal y modismos

·         Fortalezas, debilidades y creencias

·         Relaciones con los demás personajes (incluidos conflictos que podrían surgir cuando estos personajes interaccionan)

Una vez construidos vuestros personajes, escribid una descripción de un párrafo sobre cada uno de ellos. Pensad cómo los estereotipos o caricaturas comunes podrían seros útiles para construir los personajes secundarios, especialmente cuando se desea una reacción específica de la audiencia.

A menudo los personajes de la pantalla poseen valores considerados importantes para la sociedad, y pueden ser una representación o reflejo de la sociedad en general. La capacidad de los miembros de la audiencia de involucrarse en la historia de la pantalla se ve reforzada cuando su propia actitud se refleja en los valores de los personajes que están viendo. Es esencial construir personajes cuyas palabras y acciones reflejen sus creencias y valores. Pensad en la posibilidad de extender los perfiles de los personajes incluyendo la información siguiente:

·         ¿Qué es importante para cada uno de estos personajes? ¿En qué creen? ¿Qué valores tienen? ¿Cómo se reflejarán en sus acciones y palabras?

·         ¿Qué temas surgen de los valores de los personajes?

·         ¿Qué estrategias narrativas adicionales pueden fortalecer la conexión de la audiencia con cada personaje? Los flashbacks o flash forwards (escenas con saltos hacia delante o hacia atrás en el tiempo), o incluso la voz de un narrador en off (VO) podrían fortalecer el desarrollo de los personajes?

El escenario

Todas las formas de narrativa visual dependen de la localización en que se desarrolla la acción. El realismo es imperativo para que los miembros de la audiencia estén convencidos de que los acontecimientos desplegados en la pantalla y las localizaciones en que se desarrollan son reales. El escenario tiene el poder de hacer que la historia sea real para la audiencia.

Antes de seleccionar las localizaciones en las que vuestra historia será desplegada, considerad estas preguntas:

·         ¿Cuáles serán las localizaciones que se establecerán en vuestra narración?

·         ¿Influyen el género de la historia y la narración en la ambientación?

·         ¿Cómo reforzará la ambientación la acción en la pantalla de vuestra historia?

·         ¿Cómo responden los personajes a los escenarios que los rodean?

·         ¿Cómo se podría usar la escenificación para construir una atmósfera emocional que contribuyese o se relacionase con la historia?

¿Cómo puede contribuir la ambientación a fortalecer el compromiso de la audiencia con la historia?

Causa y efecto

La narración causa-efecto está integrada en la progresión de la narración y el compromiso de la audiencia con los acontecimientos en pantalla. A menudo lo que hace progresar la historia y desencadena el efecto que finalmente conducirá la narración a una resolución final es una serie de acontecimientos imprevistos. En general los personajes son los agentes de la causa-efecto, ya que son los que responden y reaccionan a los acontecimientos de la historia. Cuando empecéis a construir y desarrollar la estructura causa-efecto de vuestra historia, responded las siguientes preguntas:

·         ¿Qué acontecimientos en pantalla serán los que iniciarán el ciclo causa-efecto?

·         ¿Qué motivará a los personajes a responder? ¿Cómo lo harán?

Empezad por exponer vuestras ideas visualmente, resaltando los personajes que harán que la acción se produzca y la progresión lógica de los acontecimientos que serán resultado directo de la acción.

Punto de vista

En muchas historias, el punto de vista se establece a través del personaje protagonista, y la audiencia se posiciona adoptando la perspectiva del personaje por la forma en que este experimenta los acontecimientos que tienen lugar en la pantalla.

Con vuestra idea en mente, explorad la relación entre la caracterización, el punto de vista y el posicionamiento de la audiencia, teniendo en cuenta lo siguiente:

·         ¿Desde qué punto de vista se explicará la historia?

·         ¿Cómo podrían proporcionar puntos de vista alternativos el resto de personajes?

·         ¿Cómo podría la posibilidad de historias paralelas o interconectadas proporcionar más oportunidades para vuestra audiencia de reaccionar a diferentes puntos de vista?

El guion gráfico o storyboard

Un guion gráfico (storyboard) es la interpretación visual en dibujos o fotografías de un guion o historia. La intención del storyboard es proporcionar al equipo que está haciendo el proyecto imágenes secuenciales relacionadas con el guion que describan la acción, la localización y los movimientos de la cámara. Esto permite al equipo entender completamente la visión del guión.

Este importante documento de trabajo permite discutir y planear varios aspectos de la historia, como por ejemplo: preparación técnica, modos, temporización, diseño de los escenarios, escenas peligrosas, efectos especiales (SFX) y efectos visuales (VFX).

Los storyboards comunican al equipo de producción información muy específica que cubre todos los aspectos del proceso de filmación y representan las tomas de la cámara o «set-ups» necesarios para explicar la historia, secuencia o acción particular. Por este motivo, se dibujan usando un lenguaje determinado.

Junto a los dibujos o fotografías, se usan otros símbolos, como las flechas. Las flechas se usan para describir el movimiento tanto de la cámara como de los sujetos dentro del fotograma.

El guion narrativo

Es el momento de empezar a escribir vuestro guion. Esta es vuestra oportunidad de dar cuerpo y vida a las ideas que aparecieron en vuestra planificación inicial de la narración y que habéis ido describiendo. Visualizad cómo vuestras ideas escritas pueden comunicarse a través de imágenes en movimiento y sonidos durante la etapa de producción.

Aquí tenéis algunos consejos para escribir vuestro guion:

·         Descomponed la historia en escenas y aseguraos que cada escena tiene algún tipo de acción que haga avanzar la historia. Esto proporcionará un mayor margen de intensidad narrativa y de compromiso de la audiencia.

·         Aseguraos de que el guion explique la historia visualmente. La acción en pantalla, los acontecimientos y el ambiente son tan importantes como el diálogo entre los personajes. Escribid sobre qué escuchará la audiencia, así como sobre qué verá.

·         Desarrollad el conflicto a partir de un incidente principal. Si el vídeo dura menos de 5 minutos, puede bastar con un único conflicto; de lo contrario, podría ser demasiado complejo.

·         Mientras escribís el guion del diálogo, tened claro qué queréis que digan vuestros personajes, y por qué lo dicen Planteaos alternativas de diálogo como la voz en off, las acciones o los gestos para transmitir más profundamente emociones o ideas.

Los clichés no son realistas. Evitad escribir un diálogo melodramático o excesivamente emocional.

El guion de rodaje

Una vez completado el guion, es hora de construir el guion de rodaje. Este documento describe y comunica vuestras ideas visuales para cada escena. El guion de rodaje tendria que trabajar junto al guion, suministrando descripciones detalladas de todos los elementos visuales que darán forma a vuestra historia indicando dónde y cuándo usar una cámara determinada, así como los movimiento y los ángulos de cada escena del vídeo.

Explorad distintas posibilidades estéticas cuando interpretéis vuestro guion. Una aproximación realista dicta que las técnicas que utilicéis crearán la ilusión de la realidad. Esto incluye rodar con continuidad. Cuando planeéis las transiciones en el rodaje, aseguraos de que la acción y los movimientos de los actores entre tomas sean suaves, continuos y lógicos. La audiencia no tendría que percibir cortes entre tomas individuales.

Los guiones de rodaje se disponen en formato de tabla en la cual las escenas se dividen en función de la acción de la escena. El guion de rodaje incluye las descripciones detalladas del tipo de rodaje y de los contenidos visuales y sonoros que hay que capturar para cada aspecto de la escena.

Recordad incluir notas aclaratorias sobre cómo realizar las transiciones entre cada toma del rodaje. El guion de rodaje y el storyboard deberían usar términos de dirección abreviados para especificar la ubicación y el movimiento de la cámara.

Algunos consejos:

·         Definid claramente la dirección visual de vuestra producción y las técnicas que mejor combinarán con esta dirección.

·         Numerad las tomas y las escenas

·         Indicad a lo largo del guion la distancia de la cámara, sus ángulos y movimientos.

·         Dad una duración estimada de cada toma

·         Describid la acción en la pantalla

·         Indicad las técnicas de iluminación

Técnicas de cámara y sonido

Encuadres

1. Primer plano (Close-up, CU)

Un encuadre CU muestra el rostro del actor al tiempo que permite a la audiencia juzgar la reacción del personaje a lo que está ocurriendo. Un CU también puede centrarse en un objeto significativo.

2. Plan subjetivo (Point-of-view shot, POV)

Un POV es cuando la cámara comparte el punto de vista del personaje, de modo que da la sensación de que está mirando a través de sus ojos.

3. Primer plano extremo (Extreme close-up, ECU)

Las tomas ECU se usan para resaltar el dramatismo y pueden revelar emociones intensas u otros detalles importantes.

4. Plano medio (Mid shot, MS)

El MS muestra a los actores de cintura para arriba, y se utilizan más para mostrar acción y diálogo.

5. Contraplano (Reverse shot, RS)

Un RS se filma a partir del punto de vista correspondiente u opuesto de la toma anterior (por ejemplo, cortar entre dos personajes que hablan entre sí, o cortar al sujeto del POV).

6. Plano amplio (Wide shot, WS)

Los WS muestran toda la persona o todo el objeto como parte del paisaje. La toma suele ser un plano general, y esto puede llamarse una toma de abertura, ya que establece la ubicación y a menudo el momento y ambiente de la escena.

Ángulos de cámara

1. Alto ángulo de cámara (High camera angle, HCA)

La cámara se posiciona en un ángulo por encima de la acción, mirando hacia abajo.

2. Bajo ángulo de cámara (Low camera angle)

La cámara se posiciona en un ángulo debajo de la acción, mirando hacia arriba.

3. Nivel del ojo (Eye level, EL)

La cámara se sitúa a la misma altura que la acción.

Movimientos de cámara

1. Zoom

La cámara acerca la imagen para mostrar un detalle o aleja la imagen para mostrar más parte de la escena.

2. Pan (panorámica)

La cámara se mueve de un lado de la acción a otro, siguiendo la acción o mostrando a la audiencia más partes de la escena.

3. Picado (tilt)

La cámara bascula arriba y abajo de la escena

Efectos de sonido (SFX)

La inclusión de un efecto de sonido particular, ya sea diegético (que los personajes de la pantalla lo pueden oír) o no diegético (que los personajes no lo pueden oír) solo se usa para dar más impacto dramático a la escena.

1. Voz en off (Voiceover, VO)

Se trata de la voz de un personaje (o narrador) que narra acontecimientos o expresa su perspectiva sobre la acción que tiene lugar en pantalla.

2. Voz fuera de pantalla (Voice off-screen, OS)

Se trata de la voz de un personaje que forma parte de la escena pero que en este momento no sale en la pantalla.