Title: Grabación y edición de vídeos
Course: Mobilitzem la informàtica 4t ESO (en castellano) - Curs 2020/21 > Section: Tema 14. Vídeo: guionaje, creación y edición

Fase de producción

Esta fase consiste en la planificación de la grabación teniendo en cuenta el storyboard creado, el guion narrativo y el guion de rodaje.

Todas las persona que intervendrán en la grabación deben tener claro cuál es su tarea, y todas las necesidades técnicas tienen que estar previstas y cubiertas.

Repasemos todas las acciones que forman esta fase.

Roles del equipo

Los principales roles son:

·         Director: es el responsable de dirigir a los actores y al equipo para conseguir el mejor resultado en cada escena. El director tiene que estar absolutamente familiarizado con el diálogo y la acción reflejados en el guion, y con el storyboard planificado para filmar cada escena. El director tiene que focalizar la atención del equipo en el mantenimiento de la calidad técnica, especialmente en lo que refiere a iluminación y sonido. También tiene que asegurarse de que todo y todo el mundo se encuentra en el sitio correcto, y es el responsable del inicio y el final de la filmación de cada toma.

·         Cámara: opera la cámera y trabaja con el director en la filmación de la escena tal y como está planificada en el storyboard. El cámara es el responsable de colocar correctamente el equipo y encuadrar cada filmación con la calidad más alta posible.

·         Asistente de producción: tiene la responsabilidad de ayudar al director, mantener la localización de la filmación en las condiciones necesarias y prever cualquier potencial problema. También es el responsable de seguir un registro de las tomas (especialmente para evitar escenas repetidas) y hacer un pequeño informe de cada escena anotando cuáles son las mejores tomas y los problemas que hay que resolver para reducir el tiempo de posproducción.

- Director artístico: es el responsable de la localización de la filmación. En producciones a pequeña escala, esta tarea puede estar compartida entre distintas personas.
- Claquetista: identifica cada toma durante la filmación.
- Director de actores: sugiere o busca los actores principales o secundarios mediante audiciones.
- Diseñador de vestuario: selecciona o diseña el vestuario adecuado en función de los papeles y el periodo en el cual transcurre la película. El vestuario de los actores puede dar información a la audiencia sobre la profesión, la actitud o situación económica del papel que representan.
- Actores: representan los papeles en la película, interpretando y dando vida a los distintos personajes del guion.

Análisis del guion

Antes de definir la planificación de la filmación, es recomendable analizar el guion según los componentes que se necesitan para la filmación de cada escena y la secuencia del guion, incluidos:

·         Equipamiento

·         Localizaciones

·         Actores y especialistas

·         Vestuario y maquillaje

·         Accesorios

Este análisis ayudará al equipo de producción a fijar una planificación realista y proporcionará detalladamente todas las necesidades que hay que tener en cuenta para filmar de forma eficiente. Es evidente que es necesario filmar algunas escenas sin seguir el orden para que la filmación se termine dentro de los plazos establecidos y con el presupuesto fijado.

Planificación de la filmación

La planificación de la filmación indica el número estimado de días necesarios para filmar cada escena. El objetivo es organizar las tomas y escenas de forma que no se malgaste el tiempo instalando o moviendo equipamiento o accesorios y, aún más importante, que los actores puedan trabajar del mejor modo posible.

Para crear una buena planificación hay que seguir los pasos siguientes:

·         Dividir el guion por localizaciones.

·         Detallar las escenas que hay que filmar en cada localización.

·         Desglosar cada escena en segmentos y hacer un listado de todo el equipamiento, actores y equipo necesarios para filmar la escena.

·         Para cada segmento, especificar la duración, dificultad y hora del día en la cual hay que rodar la escena.

El número total de días calculado de este modo mediante el análisis del guion indicará el marco temporal que se necesita para filmar el proyecto entero. Durante la producción, hay que usar la planificación como guía y recordatorio del tiempo que se ha usado y del que queda para acabar la filmación.

Fase de filmación

Cuando vemos una película o un programa de televisión, sabemos que lo que hay en la pantalla es una construcción de la realidad. Las técnicas empleadas por el cineasta se combinan para crear y reforzar esta «realidad» para la audiencia. El director y el director de fotografía suelen trabajar juntos para decidir cuál es la mejor forma de explicar la historia, analizar el tipo de tomas y decidir el mejor modo de combinarlas, ya que son una parte esencial del proceso de planificación.

Cuando se filma, hay que considerar cómo la elección de los encuadres puede ayudar a reforzar la realidad, establecer la intensidad narrativa y mostrar información importante sobre los personajes a la audiencia.

Distancia de la cámara

Todos los tipos de toma tienen un propósito narrativo. La selección del tipo de toma se tiene que hacer en relación a la medida del sujeto en el encuadre y la respuesta buscada en la audiencia.

Los principales tipos de tomas según la distancia de la cámara son:

·         Tomas muy amplias: se utilizan preferentemente para mostrar un plató o una localización muy grandes. Permite a la audiencia los detalles «macro» de la localización de un personaje, mientras que el aspecto y la medida de la localización puede transmitir la escala y el tono de la película en global.

·         Tomas amplias: los personajes, la localización y el entorno son claramente visibles. Estas tomas se utilizan principalmente para remarcar la importancia del lugar en relación con los personajes de la toma. El entorno acostumbra a dar información adicional sobre los personajes. En estas tomas, el factor dominante es la localización.

·         Tomas largas-medias: los personajes y su entorno se pueden ver en detalle. El cuerpo del personaje está mayoritariamente dentro del encuadre de rodillas hacia arriba. Esta toma es la que tradicionalmente se utiliza para secuencias con diálogos o acciones.

·         Tomas medias: en estas tomas el personaje se filma de cintura hacia arriba. Es la mejor toma para las escenas del diálogo en las cuales la atención se focaliza en las expresiones faciales y en el lenguaje corporal del personaje.

·         Tomas cercanas: focalizan la atención en el detalle. Tradicionalmente, muestran las expresiones faciales e incrementan la emoción de la escena.

·         Tomas muy cercanas: seleccionan los detalles y frecuentemente se utilizan para focalizar la atención sobre algún pequeño detalle, o para ampliarlo. Lo que la audiencia no puede ver puede ser importante: las películas de suspense utilizan estas tomas para crear un ambiente de misterio.

·         Tomas de «punto de vista»: permiten posicionar a la audiencia para ver y experimentar los hechos desde la perspectiva del personaje. Para conseguirlo, toda la visión y el sonido se limita a la perspectiva del personaje.

Movimiento de la cámara

El movimiento de la cámara se puede utilizar para dirigir intencionadamente la atención de la audiencia a un objeto o un personaje en particular del encuadre. Todos los movimientos de la cámara tienen un propósito concreto:

·         Panorámica de la cámara horizontal (de izquierda a derecha o al contrario): se puede usar para establecer el clima o el tono de la escena. Una panorámica se puede usar, por ejemplo, para seguir el horizonte buscando a alguien a quien buscan la audiencia o el personaje.

·         Tracking (seguimiento): consiste en mover la cámara hacia una dirección en particular (hacia delante, hacia atrás, o hacia los lados). La cámara se puede mover usando un sistema de carriles. Este tipo de movimiento permite a la audiencia moverse a través de la escena, proporcionando una visión realista y en tres dimensiones de la localización.

·         Inclinación de la cámara: se puede usar para seguir un movimiento hacia arriba, un salto o una acción

·         Zoom: permite aumentar y magnificar un objeto o personaje del encuadre. Un zoom rápido sirve para impresionar a la audiencia. Hay que usar poco esta técnica, ya que no parece natural. Una alternativa puede ser la filmación cercana al sujeto o acción cuando se necesite una perspectiva cercana.

·         Cámara móvil: la cámara se coloca en dispositivos especiales que le permiten viajar a través de la escena, dando a la audiencia una gran sensación de realismo. Esta técnica se hizo muy popular en los documentales, en los que la movilidad de la cámara es esencial.

Iluminación

La iluminación es un elemento de puesta en escena muy importante que se utiliza para expresar emociones particulares y ambiente. Las consideraciones relativas a la iluminación son una prioridad importante y es necesario invertir una gran cantidad de tiempo usando pruebas para asegurarse de que el ambiente, la atmósfera y el sentido de la escena deseados son los correctos. Una alternativa barata a los elementos profesionales de iluminación son las luces de garaje, colocadas sobre trípodes.

Fase de edición

La edición dentro de la producción de películas tiene los objetivos siguientes:

·         Desarrollar la historia: editar cortes de imágenes y sonidos que serán seleccionados y montados en un orden concreto para conducir la acción y explicar de forma efectiva la historia. Esto es un aspecto creativo importante de la producción de películas y el editor toman continuamente decisiones sobre cuáles son las tomas concretas que transmitirán, mejor que otras, el sentido de la película.

·         Provocar emociones: editar las tomas en un estilo determinado puede enmarcar la impresión que produce la escena, afectando profundamente su sentido y ambiente para que la audiencia reaccione. El ritmo de la edición puede favorecer o romper la tensión. Por ejemplo, una escena de choque de coches o de acción tiene que editarse casi siempre con tomas cortas, mientras que una escena romántica tiene que editarse con tomas largas y lentas.

·         Controlar el tiempo: hay que decidir la edición del ritmo y el tiempo de la película, y la forma con la que se muestra la narración. El orden y el montaje de las tomas se puede usar para condensar el tiempo o romper la historia mediante saltos hacia delante o hacia atrás.

·         Establecer el punto de vista: editar desde distintos puntos de vista provoca que la audiencia se identifique con personajes concretos. Cuando se edita con este propósito, hay que pensar qué punto de vista del personaje es el más representativo. ¿Qué personaje se ve más? ¿Qué personaje sale en las siguientes tomas?

Técnicas de edición

Cuando empezamos un proyecto, hay que:

·         Comprobar la configuración por defecto del audio y el vídeo, y cambiarla en función de las especificaciones del proyecto a realizar.

·         Asegurarse de que todos los cortes tienen una identificación clara para evitar malgastar tiempo buscando material.

·         Etiquetar, archivar y guardar el material para que sea accesible y fácil de localizar. Si el programa permite crear carpetas de almacenamiento, es buena idea usarlas para ordenar el material según las escenas y secuencias.

Cuando se empieza a seleccionar, editar y cortar fragmentos:

·         Montar los cortes en orden cronológico según los hechos de cada secuencia. Como la línea de tiempo crece en tamaño y longitud, la localización y la edición de las áreas seleccionadas puede ser difícil y confusa. Según la longitud del proyecto, es mejor hacer líneas de tiempo separadas para cada escena o secuencia.

·         Descomponer en diferentes pistas las secuencias de vídeo y audio para crear ideas visuales complejas.

·         Guardar los cambios frecuentemente. No hay nada peor que estar editando durante horas y perder el trabajo si el ordenador se cuelga.

Cuando se corta parte del material:

·         Tener una buena razón para hacer el corte

·         Cortar durante la acción si es posible

·         Empezar y terminar una escena con acción

Transiciones

Los editores usan las transiciones para controlar el ritmo del cambio entre tomas, de forma que se pueda controlar el paso del tiempo. Es importante seleccionar apropiadamente las transiciones según los hechos y las acciones que se desarrollan en las tomas. Las transiciones largas se suelen usar para indicar el final de una escena y el principio de la siguiente.

Hay que analizar con cuidado cada escena y decidir dónde y cuándo hay que usar una transición. Teniendo en cuenta los detalles sonoros y visuales, se puede usar alguna de las transiciones siguientes para cambiar o alterar el sentido que transmite la escena:

·         Corte: es la transición que se usa con más frecuencia. Consiste en un cambio rápido o instantáneo de una toma a otra. Cuando se corta entre dos tomas o escenas, hay que considerar qué se pretende que vea la audiencia, y cuándo. Si se corta durante una acción o diálogo se puede distraer a la audiencia debido a un cambio repentino de toma.

·         Desvanecer (aparición-desaparición): es el tipo de transición más largo entre las tomas. La aparición empieza con una pantalla negra, y se ilumina gradualmente hasta mostrar una imagen. La desaparición se hace al contrario.

·         Disolución: es una transición entre tomas en la cual la primera imagen desaparece de forma gradual mientras la segunda imagen empieza a aparecer de forma simultánea. El efecto producido es que parece que las imágenes se solapan y se disuelven la una en la otra. Aunque puede ser una transición de ruptura, la disolución puede unir dos escenas de forma suave.

·         Barrido: consiste en una línea que parece barrer o pasar a través de la imagen, sustituyéndola por una nueva imagen. Es una transición poco natural y muy evidente que se usa mayoritariamente en documentales o en los géneros de acción o aventuras.

Al decidir dónde y cuando hay que usar una transición, hay que considerar:

·         Hacer cortes que tengan relación con el diálogo.

·         Cortar la acción estableciendo una relación entre personajes o hechos.

·         La mirada de los personajes: ¿qué miran y quién los mira?

El editor también puede reorganizar las secuencias y cambiar el orden en el cual se desarrollan los hechos mediante el uso de:

·         Flashbacks: un hecho o acción dentro de una escena se unen a escenas del pasado. Un salto repentino en la cronología permite a la audiencia hacer comparaciones entre dos escenas y considerar el impacto que los hechos pasados han tenido en las motivaciones presentes de los personajes.

·         Saltos hacia delante: del mismo modo que los flashbacks, los saltos hacia delante interrumpen los hechos presentes con una escena que se desarrolla en el futuro. Aunque es un recurso menos común, se puede hacer visualmente significativo el deseo de un personaje o una predicción del futuro de los hechos que tienen que pasar.

Diseño de sonido

El sonido es un elemento crítico de la producción de películas. Puede complementar una imagen, contribuir al desarrollo de un personaje o utilizarse para indicar un ambiente, tiempo o acción. Un sonido discordante se puede utilizar para provocar ideas o emociones, o hacer que la audiencia reinterprete las imágenes que ve en la pantalla.

El sonido en una película se puede dividir en dos categorías:

· Sonido diegético: es el sonido integrado en la acción de la historia, el que la audiencia oye al mismo tiempo que los personajes. Por ejemplo, un portazo, el viento o un choque de coches.

Sonido no diegético: el que se añade durante la posproducción. Estos sonidos no están relacionados directamente con los personajes o con la acción de la pantalla. Los personajes no los oyen, y pueden incluir por ejemplo música o narración con voz en off.

Tipos de sonidos

Los siguientes tipos de sonidos ayudan a desarrollar la narrativa y a conectar con el ambiente o la intensidad de la escena.

·         Efectos sonoros: se usan principalmente para dar realismo, y pueden intensificar el dramatismo de la acción y definir una localización.

·         Diálogos: contribuyen a dar cuerpo al desarrollo. El tono, la elección de las palabras y las expresiones pueden dar información relevante sobre un personaje, y contribuir a la progresión narrativa. El diálogo evidencia los pensamientos, sentimientos, planes, ideas y motivaciones del personaje.

·         Música: ayuda a indicar el tema, el ambiente, el tiempo, la localización y la acción. Una música en concreto puede estar asociada a personajes específicos. Cuando se editan las imágenes para que coincidan con el tono y el ritmo de la música, el resultado puede cambiar el ambiente de una escena e influir en las emociones de la audiencia, añadiendo suspense, misterio, excitación y drama. A menudo, la música se utiliza para establecer el estilo y el género de la película, y tiene el poder de cambiar completamente el sentido de una escena.

Consideraciones para editar música

El editor trabaja con la música para complementar la acción visual. Cuando se selecciona y edita música, hay que tener en cuenta lo siguiente:

·         Elegir música que encaje con la emoción o el dramatismo de la escena.

·         Usar partes de la música a lo largo de la narración, cuando se pueda, para cambiar de una toma a la siguiente.

·         Seleccionar la música que intensifique la acción.

·         Utilizar la música para llenar tiempo muerto en la acción.

Filmación y edición con el móvil

Podéis filmar y editar el video con vuestro móvil. Pero si no tenéis nunguna app específica tendréis que instalar una entre la multitud de apps disponibles en el mercado.

Tenéis una buena colección con valoraciones sobre estas apps en mSchools Toolbox. Primero hay que tener en cuenta el sistema operativo de vuestro móvil: Android o iOS. Si tenéis un iPhone o iPad, seguramente ya esté instalada por defecto la aplicación iMovie, si no la podéis descargar desde la plataforma App Store. Con esta app podéis crear un proyecto en el que añadir clips de video y fotos. Permite ajustar la película, alargarla o recortar los clips, cambiar la secuencia de los clips, etcétera. Si en cambio vuestro sistema operativo es Android podéis optar por otra app de edición de video parecida como Kinemaster. Podéis descargar la versión gratuita desde Google Play o desde App Store para los que tenéis un sistema operativo iOS.